Abro este hilo aquí, porque creo que una obra de Banksy fue pregunta de examen en UTA hace tiempo.

En cualquier caso, en Madrid hay una exposición que recoge parte de su obra (fundamentalmente obra gráfica) y creo que merece bastante la pena verla (a pesar de lo 14,9€, 12,9 de martes a viernes).

Todos los detalles los tenéis aquí.

La audioguía es gratuita y está bastante bien con un audio y reproducción de cada obra. Está en una App que podéis descargar aquí. Una vez descargada hay que buscar por el nombre de la exposición: Banksy. Genius or Vandal.

Si fuera español lo mismo estaba ya en la cárcel...
Si os habéis quedado con ganas, podéis leer lo que escribí sobre Napalm en nuestro blog.


Si vais durante el fin de semana, comprad las entradas antes on line... ayer por la tarde estaba lleno, pero tened en cuenta que, en el caso de ir varios, aun comprando todas las entradas de una vez, os cobran gastos de gestión por cada una y si alguien falla no devuelven el dinero o cambian la entrada para otro día.

No hay catálago, pero la audioguía es bastante completa. Obviamente hay tienda donde se pueden comprar varios textos sobre Banksy y el merchandasing habitual.

Hola, cuervo ingenuo:

Muy interesante tu aportación. Hace un tiempo escribí uno de tantos artículos inacabados que acaban en la papelera de reciclaje de mi ordenador. Ahí donde se perdieron tantos poemas, cuentos, artículos, relatos y algunos ensayos. Resulta que lo he rescatado, un acto inverso a lo que pasó en Sotheby's con una de las obras de Banksy. Ahí va el fragmento que he logrado rescatar

Introducción

Hace apenas unas semanas, escribo estas líneas en octubre de 2018, se subastó en Sotheby’s una obra del artista urbano Bansky por 1.04 millones de euros. Justo al ser adjudicada, la obra comenzó a autodestruirse, al modo que lo hacen las papeleras destructoras de documentos.

Nadie podía dar crédito a lo que estaba ocurriendo. Los empleados de la casa de subastas se apresuraron a retirar la obra al tiempo al tiempo que la noticia se difundía a escala mundial.

Pocos días después, el artista desvelaba a través de un vídeo cómo había dispuesto hacía años un mecanismo de autodestrucción. Pero la historia, el culebrón más bien, no terminaba aquí pues ni la casa de subastas ni el anónimo comprador se sentían molestos por los desmanes del artista. Según los marchantes de arte, galeristas y críticos, que al cabo son quienes deciden el valor de una obra, ésta había duplicado su valor.

La historia continua porque ahora se discute si Bansky estaba compinchado con Sotheby’s, si el comprador era el mismo artista, etc. Incluso ha tenido su influencia pues el artista italiano Maupal ha colgado en la parte antigua de Roma una instalación, titulada Bank-si, donde se reproduce el momento de auto-destrucción de la obra esta vez con las banderas de Italia y la Unión Europea.

Cualquiera se sorprendería de todos estos acontecimientos y quedarse tan estupefacto como quienes vieron en directo a la obra de la ‘Niña con globo’ ser pasto de las cuchillas. Esta sorpresa precisamente es la que nos debe invitar a reflexionar sobre el asunto; cual el papel del arte en la actualidad, el contestatario especialmente, y cómo influye en nuestras vidas. Tal es el propósito de este artículo.

Graffiti y arte Pop


Bansky es un conocido, aunque anónimo, artista urbano. Hay obras suyas por doquier y cualquier ciudad anhela tener una. Toda ciudad posee su conjunto histórico-artístico pues la arquitectura no deja de ser una expresión del arte a la vista de todos. Dichos edificios poseen en su interior mosaicos, retablos, frescos, cuadros, esculturas, etc. En ese sentido, el graffiti es una inversión de las obras. Los edificios son una suerte de camisa a la que se le da la vuelta.

El graffiti tiene su origen en los años 60 del siglo XX en Nueva York, dentro de la cultura hip-hop. En los barrios más deprimidos surge una cultura musical y artística que se expresa en las calles pues es donde se vive. Reivindica una transformación del decadente paisaje urbano del Bronx o Harlem pues el arte está encerrado en las casas y museos de las zonas altas donde domina el art decó, un estilo que no representa tampoco a las grandes masas empobrecidas.

En esta época comienza la cultura Pop, es decir, la cultura popular, la de todo el mundo, a la que pueden tener acceso las clases trabajadoras. Es un hito dentro de la historia del arte la exposición en Nueva York, ‘The American Supermarket’, donde Andy Warhol expuso reproducciones de cajas de detergente, de cereales, latas de conserva apiladas. El crítico de arte Arthur C Danto tuvo una especie de epifanía, el arte había cambiado y con él nosotros. Su obra ‘El fin del arte’ publicada en 1984 es una gran reflexión sobre cómo fue el inicio de un cambio de paradigma en el arte.

Danto señala que el arte se adapta a cualquier medio, el estilo que desee y no tiene por qué diferenciarse de objetos no artísticos. Esto supone que ya no puede hablarse de arte elevado y que lo feo, lo abyecto, lo vulgar o lo obsceno no pueda ser considerado arte. Esto lleva consigo una ‘transvaloración de los valores’. Nietzche afirmaba que la tradición platónica y cristiana había invertido los valores, lo que antes era lo bueno, el héroe fuerte y guerrero, ahora era malo, mientras que el pobre desvalido y débil, ahora era lo bueno. Algo así ocurre en el arte con Warhol, lo que es valorado en el arte se transforma y se invierte. Una inversión similar, en el arte, ocurriría con el graffiti.

Antes que Banksy el artista Keith Haring intervenía todos los espacios públicos. Si bien su temática es bastante tradicional, la vida, el amor o el sexo, el medio utilizado rompía fuertemente con el arte tradicional. Incluso su cuerpo o el de los modelos eran usados como lienzos, otro ejemplo más de esa inversión, de esa camisa a la que se le daba la vuelta. El graffiti de Haring era minimalista y muy simbólico frente al de Bansky de carácter más realista.

Un aspecto no poco relevante que diferencia a Bansky y a Haring es que el primero no acuerda sus obras, aparecen de repente en alguna ciudad. Tal es el caso también del artista anónimo Invader que llena las ciudades de mosaicos que imitan a figuras pixeladas que recuerdan a los videojuegos de los años 80. La aparición espectral de las obras les dotan de una vida propia que enfatiza la autonomía del arte.

El graffiti es único en tanto que el lugar donde se encuentra es irrepetible. El aura de una obra de arte, en términos de Walter Benjamin, depende en gran medida de su ubicación. Frente al templo, la galería, el museo o el edificio público, el nuevo arte se ubica donde uno menos lo espera en virtud de su autonomía, como la bailaora flamenca que aparece en centro histórico de Málaga.

Walter Benjamin estudió esta pérdida del aura de ‘la obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica’. Una película es concebida para ser reproducida. Si bien los autores de los graffiti pueden no tener esta idea, todo un sistema económico lo tiene muy presente. Aquí es donde se encuentran una de las paradojas de estos artistas. Cuando sus obras se reproducen en camisetas, bolsos, pósters, etc cabe preguntarse si ellos se están burlando del capitalismo o es al revés o son cómplices. Como indicábamos al principio, tales son las preguntas que giran actualmente alrededor de la obra autodestruida de Banksy.

La performance como obra de arte


Aquí había escrito una reflexión sobre la performance en el arte y como esta acción de Banksy sumaba otra más y que n os invitaba a una profunda reflexión. Pero no se que escribí, no creo que fuera demasiado interesante y al final lo borré.

En fin, me apetecía compartir unas reflexiones inacabadas.

Un abrazo

Abel

Muchas gracias Abel:

Tocas un montón de temas muy interesantes.
En este mismo foro y en las clases de Yayo Aznar yo he cuestionado la revolución de Warhol, que para mí no es tal yq que no aporta mucho a Duchamp. Soy muy crítico con Danto, porque aunque puedo entender y hasta compartir que el arte es un problema filosófico (para él solamente desde Warhol), su relato "histórico" no se sostiene. Es sintomático que para explicar que la golosina We got it es arte posthistórico la explica desde Duchamp y no desde Brillo Box.

Si os interesa el asunto de Warhol, Duchamp y Danto mañana ordeno mis ideas y notas y escribo algo por aquí.

Sobre el aura y la reproductibilidad, Banksy "salva" el asunto con la obra gráfica. Hace serigrafías de sus obras "urbanas" más importantes... Por un lado eso las mantiene "vivas" pero por otro las mete en círculo comercial y en los museos.

Por otra parte, vi una exposición en el MOMA hace 4 o 5 años y allí tenían expuesta una Brillo Box... cubierta por una hurna que la protegía pero no disimulaba como la pintrua estaba empezando a agrietarse... de repente ese objeto antiaúrico no solo tenía aura en el término más convencional, es que tenía "patina" si pensamos como Ruskin...

Pero el lado más canalla de Banksy sigue estando en sus intervenciones públicas, claro. Me parece muy interesante como eligió edificios pertenecientes a la rica familia Godden en Folkestone y en Dover. Tras un litigio los Godden perdieron en la Corte Suprema y no pudieron vender el graffiti de Folkeston y quedó allí para la gente. Veremos qué pasa con Brexit:




Si te interesa Invader, cuando vengas a Madrid y pasees por el centro estate atento a Wolf... también le gusta ponernos "marcianitos" (La foto es mía en la Plaza de Juan Pujol -Malasaña- en 2013, pero la última vez que pasé por allí seguía):


Es tardísimo pero sobre tu última reflexión también "habla" Banksy en Festival acaba con el capitalismo:



Otro día hablamos de la Calavera con diamantes de Hirst, que puede tener cosas que aportar...

Buenas noches

Hola, cuervo ingenuo:

Tengo que dar una vuelta por Madrid, con tranquilidad, pasaré por Malasaña. Habría estado bien tomar unas cañas en El Palentino, pero parece que ya no va a ser posible. Espero que La Ardosa siga.

Le estuve dando muchas vueltas a lo de la destrucción de la obra de la subasta. Como performance me parece de las cosas más geniales de los últimos tiempos.

Respecto a Hirst, para mí representa, junto a Jeff Koons, lo que he venido en llamar “chonismo ilustrado”. En la música se ve muy bien este concepto con artistazas como Rosalía o Beyoncé. ¿A quien se le ocurre adaptar unos poemas del siglo XIV a bulerías o fandangos con arreglos de house y contar todo eso con chándal? A alguien con un sentido artístico y estético único, como Hirst.

Hirst y Rosalía renuevan la cultura Pop, ya está agotada. Igual que Koons hizo portada de Lady Gaga lo podría hacer Hirst de Rosalía. Todos ellos recuperan el sentido de lo Kitsch y lo dotan de una dignidad que la cultura Pop había rechazado. Son exagerados, estridentes, sin complejos y rechazan todo sentido filosófico del arte. Es una reacción contra la concepción de Danto.

Debo de decir que me caen bien. Hirst es un “cani”, un “quinqui”, porque solo a un quinqui con dinero se le ocurre hacer una calavera con diamantes.

Tengo que darle una vuelta al asunto pero me parece que estamos en una nueva era de la cultura Pop, mucho más desinhibida pero más adaptada al capitalismo

Saludos

Abel

El Abel escribió:
De acuerdo, pero contextualizando…. Y “suspendiendo” el asunto del aura…

Empiezo por el video:


Banksy pintó Niña con globo en 2004, en la pared bajo las escaleras del South Bank en Londres.





Lo que Banksy intervino (convendremos en que es una intervención y no una destrucción) fue un lienzo de 2006. Entiendo que no es el único lienzo, al menos debe de haber otro anterior, de 2005. El motivo también fue serigrafiado, con lo cual el tema del original empieza a dispararse… y el de la destrucción a diluirse.

Si nos abstraemos de lo anterior y de si está implicada la Galería o no, que me parece un tema menor. Si pensamos conceptualmente, podemos pensar que el arte urbano en general, y esta obra en particular, es primeramente una intervención no autorizada en el espacio público, en una propiedad privada que queda cuestionada, apropiada, en cierto sentido, por el autor y por su público. Y como explicaba el otro día, en algunos casos esto es literal en las obras de Banksy porque el poder judicial prohíbe el "levantamiento" de la obra (pasa con muchos graffiti).

El capital (sea este quien sea o lo represente) se revuelve y se apropia de esta obra, la inserta en el circuito comercial. La privatiza. Jameson (El posmodernismo o la lógica cultural del capitalismo avanzado) dice que el Capitalismo siempre se adapta y pone el ejemplo de The Clash. Carlos Granés (El puño invisible) pone el ejemplo, todavía más claro, de The Sex Pixtols…
Es decir, a la acción de Banksy en el espacio público, responde la Galería con la privatización. La jugada de Banksy es una nueva vandalización dentro del espacio privado. Ha escalado un nivel más….

Pero claro, el Capital siempre se adapta, seguramente el lienzo intervenido habrá incrementado su precio.
Lo que, sin embargo, no puede sortear el Capital, es que esa imagen ha estado relacionada desde 2014 con el apoyo a los refugiados sirios y en las elecciones de 2017 con el voto anti-conservador.

Como dice el propio Banksy… “no podemos cambiar el mundo hasta que el capitalismo se derrumbe. Por mientras deberíamos ir todos de compras a buscar consuelo”

Y aquí aprovecho para enlazar con Hirst y lo hago desde una conferencia que dio Yayo Aznar dentro del curso “Ideologías y Mentiras. ¿De qué nos sirve el arte?” Decía Yayo que la obra de Hirst nos acerca eficazmente a la fantasmagoría de Marx. El valor de uso se ha perdido y solo vemos su precio, su valor de cambio, que además es creado artificialmente por Hirst en una subasta.
Hirst desde la posición de un cínico enriquecido nos muestra todas las contradicciones del capital en un objeto enormemente fetichizado que nos muestra el sistema capitalista en su máximo esplendor y contradicciones.
La acción de Hirst es tan brutal en su engranaje con el capitalismo que descorre el velo de la fantasmagoría, la pone al descubierto.
Aquí, estamos hablando de 77 millones de euros y, por cierto, también se dice que su círculo de confianza puja en las subastas para incrementar el valor de sus obras… Yayo Aznar parecía querer insinuar que tal vez, la forma más eficaz de luchar contra el sistema sea su utilización absoluta, que es lo que hace Hirst. En cualquier caso, él evidencia cómo funciona y consigue caricaturizarlo… y todo esto sin entrar a valorar que estamos hablando de una calavera cubierta de diamantes: de la muerte y el lujo, de restos humanos, de conjunción de tabúes… del (Un)Heimlich, lo siniestro, que es literalmente, como recuerda Freud, lo que ya no es secreto porque ha sido desvelado…

Lo dejo aquí, pero otro día hablamos de esto que apuntas con Rosalía… me ha sorprendido el comentario… me ha recordado a las críticas de Adorno al Jazz… o las que los puristas flamencos hicieron a Camaron… A Lorca también le atizaron en su momento…
Obviamente no comparo a Rosalía con Camarón y menos a Beyoncé de quien, honestamente, no puedo distinguir una sola canción. Solamente que me ha parecido una crítica, por así decirlo, “de ojo educado”, que no deja de ser tradicional en el pensamiento de izquierda.

La Ardosa resiste, aunque es muy diferente a El Palentino... en lo bueno y en lo malo.

Hola, cuervo ingenuo:

Conozco la interpretación de Yayo de la obra de Hirst. En realidad me parece que su interpretación puede aplicarse a cualquier objeto con un alto valor de cambio que esconda lo que llamaba Marx, 'vida muerta'. La cuestión no es que los diamantes sean de 'consumo sostenible' sino que su valor de cambio por otros objetos que requieren una producción esconden esa vida muerta.

Ese fetichismo de la mercancía aumenta de tal modo que la obra aumenta considerablemente su valor frente a su materia prima. La verdad, tampoco me parece que tal cosa muestre nada, un Picasso es un par de maderas y un lienzo que apenas tiene valor. La cuestión está en el aura de la obra de arte, de su fundamento. En el caso de Hirst está en la mercancía misma, ese es el mérito de su obra.

Sobre lo de Camarón me he acordado de los tiempos en que pertenecía a una peña flamenca. Había una gran división: los 'Camaroneros' y los 'no-Camaroneros'. En mi caso además defendía a Enrique Morente por su genial 'Omega': punk, Lagartija Nick, ruido, Leonard Cohen y flamenco, demasiado para mis compañeros. Lo gracioso es que después de sacar el disco estuvo en nuestra peña 'El Lucero' cantando unas minas que quitaban el sentido.

Recuerdo aquello y el concierto de Omega en Córdoba con los pelos de punta. Morente creó otro cisma en la peña. Pero nadie dudaba de él. Recuerdo al mismo Camarón que decía que cuando iba a Granada se pasaba a ver al 'payo raro' (Enrique Morente) a ver que cosas se le ocurría. Rosalía es otra paya rara del flamenco y encima catalana, como la Mayte Martín. Pero todo lo que digan de ella ya se les pasará, también a Manolo Caracol lo criticaron por cantar con piano...

Saludos

Abel

PS: en la Ardosa poca gente se ha tomado la molestia de ir a desayunar. Poder tomar el café de la mañana escuchando a Bach es una cosa más rara que todos esos payos, pero me encantaba. Y las cervezas... por favor, que nadie sabe tirar una cerveza en condiciones aquí en Barcelona, como lo echo de menos.

Pues seguramente tienes razón y el análisis de Yayo se puede aplicar a una parte importante del arte contemporáneo... pero también entiendo a Yayo y veo como Hirst ha ido más allá que todos los anteriores... alguien lo superará, seguro.

En un curso de doctorado hace unos 20 años trabajé sobre el Dalí posmoderno y me fascinó el Cadillac lluvioso del Teatre-Museu de Figueres que yo entonces apodé como "obra de arte de todo a cien". Para que la instalación funcionase había que meter una moneda de cien pesetas (me gusta imaginar que los herederos habrán intervenido la obra para que hoy acepte pagos con el móvil, aunque lo desconozco). Una vez introducida la moneda, llovía en el interior del coche... alucinante y para mí un resumen de lo que supuso Dalí.



En 1992, cuando Hirst practicamente ni había empezado, escribía Juan Antonio Ramírez, del que tuve el privilegio de ser alumno:

"La inmensa variedad del arte ensalzará siempre a su patrón general. San Sponsor, San Podersogalerista, Santa Coleccionista, San Consejodeadministración, Santa Pastanegra, y otros beatos del nuevo santoral formarán el coro complaciente que hará menos aburrida la soledad religiosa del dios único y todopoderso, Das Kapital" (Arte y arquitectura en la época del capitalismo triunfante)

Para no acabar con mal rollo, vuelvo al principio, a Banksy:


Buenas noches

Ps.
Omega... Discazo...

Bravo, cuervo ingenuo.

Fantástico hilo y tremendo mensaje!!

Gracias. Lo de Juan A. Ramírez es de lujo.

Un saludo!

Hola, cuervo ingenuo:

He leído tu artículo del blog sobre la representación del horror. Enhorabuena, muy bueno.

El tema daría mucho de sí. Añadiría los fundamentos sobre los que se asienta esta concepción estética del horror. Algunos trazos

- Delacroix, 'Medea furiosa', representación de grandes dimensiones de la madre asesina desnuda. Dale una vuelta a esta obra y luego dirige la mirada a la fotografía que valió el reconocimiento del World Press Photo, donde los niños desnudos gritan desesperados.

- Goya, 'El Aquelarre', donde la cabra está rodeada de mujeres y niños famélicos. Uno de ellos es ofrecido por su madre al demonio. Es fácil ver la conexión con la fotografía.

Pero aquí el artista se movía entre la mitología griega y la cristiana, donde nos relatan el horror. Las obras de arte se van cargando de todo este imaginario del horror hasta que en el siglo xx el fotoperiodismo traslada todo ese imaginario mitológico a una realidad humana.

La fotografía tiene una composición que sigue la senda de ese horror que representaban Delacroix o Goya con la salvedad de que tiene una realidad no imaginaria. Pero aquí viene el siguiente efecto: la realidad se agota y hay un retorno a la recreación pictórica, con esa nueva fotografía que comentas, con las inclusiones del mundo Disney, etc.

Saludos

Abel

Gracias Abel.

Delacroix es excelente, pero no es Géricault, el más grande del siglo XIX francés… y que creo que se inscribe mejor en ese relato del horror que propones, pero además lo hace tomando partido, como han hecho los más grandes.
En La balsa de la Medusa (1819), que hoy da nombre a una estupenda colección de libros de estética de Visor, señala al incompetente capitán de La Medusa, un aristócrata designado por los borbones (en todas partes cuecen habas) que no dudó en seleccionar quién se salvaría junto a él del celebre naufragio y abandonó a su suerte a más de cien personas en el mar… sobrevivieron al mar, al clima, al hambre, al canibalismo y a la locura solamente quince de los náufragos.



Decía Tonia Raquejo que Géricualt y Goya representan la época de la Restauración borbónica, del fin de la ilusión que había generado la Ilustración y la Revolución Francesa… Géricault nos arroja los cadáveres a la cara… Es impresionante ver la obra y ver esos cadáveres putrefactos casi de tamaño real.
Otro día hablamos de Goya. Para mí la influencia de su obra en la historia del arte contemporáneo solo es comparable con la de Duchamp.

Gericualt, nos dejó un relato periodístico terrible de su tiempo… hoy no nos asusta tanto, ¿verdad? A Sergey Ponomarev le dieron un Pulitzer por su foto en Lesbos en 2015. El mar, la tragedia y una camiseta por única bandera conecta ambas fotos.

Pero claro… alguien hoy (en 2017) nos ha recordado en las mismas calles de Francia, en Calais, donde tenemos un campo de refugiados, que la gente sigue muriendo en el mar dos siglos después de Géricualt.


Banksy ha añadido un yate de lujo que no parece dispuesto a detenerse… nuestros gobiernos no solo no impiden que la gente se ahogue, hacen todo lo posible para que nadie pueda ayudar.

El Aita Mari y el Open Arms siguen inmovilizados en nuestra costa. No solo no hacemos nada, es que no dejamos que otros lo hagan. Me avergüenzo de ser europeo.

Buen domingo a todos